Ignoriamo il valore decrescente della performance musicale interattiva a nostro rischio
Con la democratizzazione della performance musicale, ora siamo tutti inventori di musica. Chiunque abbia un laptop e la capacità di fischiare una melodia può inventare il prossimo genere musicale senza mai trovare la strada per una sala prove. Per secoli, tuttavia, l’ecosistema musicale ha intrattenuto la nozione dell’esecutore dedicato. Questo individuo suona uno o più strumenti (inclusa la voce), con il beneficio di un po’ di allenamento o nessuno. Prima che arrivasse il mondo digitale, eri Liszt o Liberace, Satriani o Santana, Hendrix o Holiday, Marley o Madonna, violinista, bassista o sassofonista, o aspiravi ad essere uno di quelli, o assistevi uno di loro nel tuo ruolo di abile strumentista di supporto. Ora che i facsimili di tutte queste persone sono nei nostri laptop, ne stiamo ancora facendo di nuovi? Sono una specie in via di estinzione? Ne abbiamo già abbastanza? Perché abbiamo bisogno di più? In breve, perché abbiamo bisogno di interpreti strumentali?
Pericolo in vista
Le abilità esecutive sembrano essere poco valutate nel punto di origine di un brano o di una canzone (sebbene tali abilità possano acquisire più valore al momento della sua riproduzione pubblica), essendo apparentemente facilmente emulabili attraverso la tecnologia musicale. La performance di musica popolare strumentale, come evidenziato dall’imposizione delle mani su legno, budello, pelle e silicone in collaborazione in tempo reale con altri, sembra essere in una sorta di spaccatura dell’era digitale sulla strada. Un cartello indica l’ossificazione e la ridondanza, l’altro la rivalutazione e l’utilità creativa.
Padroneggiare uno strumento musicale a un livello che offra opzioni creative minime è considerato letteralmente insostenibile perché richiede troppo tempo. Una ciclica riduzione delle competenze (ne occorrono meno, quindi ne servono meno, quindi ne occorrono meno) condanna l’esecutore limitato alla ripetizione costante della manciata di gesti necessari per invocare i tre accordi e un paradigma in controtempo. La maggior parte dei batteristi, ad esempio, è obbligata a eseguire più o meno la stessa cosa per la maggior parte del tempo. Questa è sia una risorsa sprecata che una riduzione inutile alla quale hanno aderito perché entrambi sottovalutano e non vogliono affermare la loro importanza culturale come catalizzatori dell’azione musicale.
I batteristi sono ben posizionati per resuscitare, respirare la vita, portare vita alla performance collettiva, ma rimangono troppo pronti ad abbandonare l’allenamento, l’istinto e l’intuizione in un attimo, per adattarsi alla visione del mondo di un altro. Armeggiano nella sala macchine della musica con scarso effetto: un abbandono della loro tradizionale area di influenza che rasenta l’abbandono del dovere. Tale abbandono cede potere ad altri (cliente/produttore/programmatore) ed elimina le discrepanze partecipative che rendono unica una performance . Arresta la ricerca interazionale della componente specifica della canzone che trasforma il meccanico in magico, il non creativo in creativo. Seguire quella strada ancora per qualche anno consegnerà giustamente il batterista all’oblio e renderà un disastroso disservizio alla musica popolare. La pratica corrente, così ridotta, è suscettibile di imitazione da parte del computer. Il valore futuro risiede nella produzione di artefatti che il computer non può produrre. Cosa può fare l’esecutore che il computer non può fare?
Si tratta di interazione, stupido
L’inversione è possibile, tuttavia, data la consapevolezza della situazione. La ricerca tra batteristi esperti suggerisce che la risposta sta nella loro conoscenza specialistica delle questioni ritmiche combinata con sofisticate capacità di interazione collaborativa che danno vita alla musica, preservandola dalla mano morta dell’oscilloscopio. Per comunicare in modo efficace, la musica ha bisogno di interazione, sia essa intra-umana o uomo-computer. La musica che include performance interattive sembra essere più affettiva di quella generata da un’alternativa tecnologica. Pensare al ritmo e alla batteria si è quasi completamente ossificato nel drumming “mainstream”, nonostante il fatto che una sottile fetta di musicisti esperti incarni ed esemplifichi l’intera gamma di espressioni creative possibili in tutti i generi.
Le capacità interattive di alto livello rendono i risultati delle prestazioni effettivamente insostituibili e irriducibili, meno inclini alla riproduzione. Lo faccio perché l’hai fatto tu o stai continuando a farlo. Potrei aver frainteso la tua intenzione, ma ora abbiamo entrambi qualcosa che prima non esisteva nella nostra immaginazione o nei fatti. Comunque la prima cosa non mi è mai piaciuta molto. Credo che vada bene; pensi che sia senza speranza. Come risolvere il problema? Mettiamoci d’accordo sul non essere d’accordo, mettiamola da parte e ricominciamo con il testo. Perché balbetti su mmm-My Generation? Grande idea! Perché una pausa da solista di basso? Perché l’uomo ha un suono incredibile con le corde a filo tondo Rickenbacker. Potremmo usarlo. Dal punto di vista del datore di lavoro non ha mai pensato di farlo in quel modo.
Vivo per la situazione
L’educazione musicale può aiutare qui. Se una creatività come questa deve essere parte dell’apprendimento, un maggiore apprezzamento di ciò che significa e si sente collaborare in modo creativo dovrebbe essere inculcato all’interno dell’educazione musicale popolare: troppo orientata all’acquisizione di abilità tecniche come strumento creativo, troppo poco orientata al quadro socio-culturale all’interno del quale la creatività musicale è tipicamente messa in atto e distribuita. Un riequilibrio stimolerebbe una riconsiderazione dello scopo fondamentale e del valore della performance come continua a trovarsi ai massimi livelli nella musica popolare, ma i cui benefici non vengono comunicati più a valle della catena alimentare.
Mentre gli inventori della musica dell’era digitale si allontanano dalle nozioni pre-digitali di performance, sembra esserci una sensazione sgradevole e inespressa che le cose fossero in qualche modo “migliori” ai “vecchi tempi”, che l’analogico a 8 tracce Who and the Kinks ha oscillato più difficile delle loro controparti contemporanee sovraccaricate e scaricate, e forse c’era davvero qualcosa in questa attività di suonare musica insieme ad altri di cui abbiamo rinunciato a nostro rischio e pericolo. Gli studenti di musica potrebbero essere introdotti meglio alle sottigliezze della cooperazione musicale umana, quella trasformazione della conoscenza che avviene nella sala prove che dà vita al manufatto in questione. Nella mia mente, questo è ciò che riguarda la performance musicale.
La chiamata alle armi
Gran parte di quanto sopra si è concentrato sulla batteria e sul batterista, ma è applicabile a qualsiasi esecutore strumentale. Abbiamo bisogno di queste persone, e abbiamo bisogno che si alzino e vengano contate. Abbiamo bisogno che si tuffino in profondità nei loro strumenti per estrarre nuovi suoni scintillanti e creare nuove possibilità per loro. Abbiamo bisogno di loro per rendere una performance sia unica che maggiore della somma delle sue parti. Abbiamo bisogno di loro come l’ostrica ha bisogno della sua grinta, l’irritante che dà accesso a ciò che prima era inimmaginabile. Dubito che Liszt avrebbe potuto immaginare Hendrix, né Mozart Stockhausen. I passaggi che collegano l’uno all’altro sono stati in parte sbozzati dai decenni intercorsi di performance strumentali. Abbiamo bisogno di artisti che facciano ciò che il computer non può. Attualmente, i computer non sono eccezionali nelle capacità di interazione, ma anche quella finestra potrebbe chiudersi presto. Nonostante tutta la potenza del computer a nostra disposizione, è difficile immaginare quattro macchine che producono Who’s My Generation o Miles’ Bitches Brew . Soprattutto, abbiamo bisogno che gli interpreti strumentali interagiscano tra loro, il produttore, l’ascoltatore e il mondo.
Alcuni dicono che una società ottiene la musica per cui paga; altri che ottiene la musica che si merita. Penso che ottenga la musica che può immaginare. L’inventore della musica ha bisogno della collaborazione con gli strumentisti. In questo modo potrebbe trovarsi di fronte a modi di fare cose che non aveva mai immaginato prima.
Senza tale interazione, il risultato musicale è una cosa minore, priva del suo personale vitale. La società ignora il valore della performance musicale interattiva a suo rischio e pericolo. I videogiochi stanno ormai sostituendo la musica come aspetto più importante della cultura giovanile: noi musicisti l’abbiamo praticamente invitata a farlo. La musica può utilizzare tutto l’aiuto possibile. Una performance strumentale audace, mozzafiato, fantasiosa e abile può offrire molto. Forza giocatori, il vostro Paese ha bisogno di voi. Andiamo ad esso.
Bill Bruford, Ph.D., ha un profilo internazionale come bandleader, compositore e batterista in più ensemble di musica popolare per oltre quattro decenni. Ritiratosi dal pubblico spettacolo nel 2009, ha conseguito il dottorato presso l’Università del Surrey, nel Regno Unito, nel 2016. Ha scritto sul tema della performance musicale e della creatività e ha tenuto numerose conferenze presso istituzioni europee e nordamericane. billbruford.com .
Il post Absent Without Leave è apparso per primo su The Absolute Sound .
